Ryuichi Sakamoto – Love is the Devil

En 1998, Sakamoto signe la bande originale de Love is the Devil, un film de John Maybury relatant la vie du peintre Francis Bacon à travers sa relation passionnelle avec George Dyer. Une œuvre immersive grâce à la manière dont les personnages sont filmés, Derek Jacobi et Daniel Craig passés au prisme déformant de la caméra comme s’ils évoluaient dans un tableau de Bacon lui-même ; pour un résultat aussi convaincant que le Van Gogh de Pialat et qui méritait un vrai travail sonore… Ryuichi Sakamoto est l’homme de la situation, avec ses 28 segments instrumentaux comme autant de touches figuratives, marquées par un piano lumineux (Bathroom, Bed, Atelier) et des cordes tortueuses (Ny), des rumeurs cauchemardesques (Boxing, Fall, Redman 3) avant de finir avec le morceau éponyme où la vie s’écoule en accéléré, comme d’un tube d’acrylique mal refermé tandis que défile le générique de fin… Un disque fiévreux, diapré et qui fait penser à la Viral Sonata composée l’année d’avant, plus homogène que Merry Christmas Mr. Lawrence et accompagné d’un livret souvenir dans son édition digipack, pour un aller simple vers les affres de la création.

Ryuichi Sakamoto – Merry Christmas Mr. Lawrence

Né à Tokyo en 1952, Ryuichi Sakamoto est un compositeur japonais. Après avoir étudié la musique classique et ethnique, il rejoint le trio Yellow Magic Orchestra en 1978, précurseur du genre synthpop. Il signe la bande originale de Merry Christmas Mr. Lawrence en 1983, un film de Nagisa Oshima dans lequel il tient également le rôle principal aux côtés de David Bowie… L’action se déroule dans un camp de prisonniers durant la seconde guerre mondiale, où se joue le destin de deux hommes que tout semble opposer, servie par des plages instrumentales brèves alternant avec quelques chansons (Ride, Ride, Ride) dont l’interprétation finale de David Sylvian (Forbidden Colors) qui reprend le thème principal décliné plusieurs fois le long du disque ; un leitmotiv aussi célèbre que sa légèreté est trompeuse, ambigüe à l’image du film entre synthé et percussions orientales… Onirique sous un torrent de flashback (Before the War) ou une plainte de cordes (Germination) ; morne tandis que le tonnerre gronde (Assembly) ou émaillé d’effets impromptus (Last Regrets) ; combinant electro et classique cette bande originale multiplie les impressions.

Zbigniew Preisner – Preisner’s Music

Deux ans après Le Décalogue, Zbigniew signe la bande originale de La Double Vie de Véronique, suivie en 1993 et 1994 de la trilogie Trois couleurs Bleu, Blanc et Rouge de Kieślowski ; gravant dans le marbre une certaine idée de la symbiose… Enregistré en 1995 dans la grotte de Wieliczka, avec l’orchestre symphonique de Varsovie, Preisner’s Music propose un concert de 74 minutes retraçant 15 années de musique pour le cinéma. On y retrouve de larges extraits de ses compositions pour Kieślowski, avec des titres retentissants comme Puppets, Van Den Budenmayer et Song for the Unification of Europe ; mais aussi des joyaux issus d’autres films comme Secret Garden (Rain), Quartet in 4 Mouvements (Aurore) ou Egyptian Opera (Labyrinthe)… Une flûte qui chevrote, des carillons solennels et la fidèle soprano Elżbieta Towarnicka entourée de choristes : l’alchimie fonctionne et les images des films que l’on connaît se mélangent à ceux que l’on n’a jamais vus, bénéficiant d’une acoustique surnaturelle à 130 mètres sous terre.

Zbigniew Preisner – Le Décalogue

Né près de Cracovie en 1955, Zbigniew Preisner est un compositeur de musique classique polonais. Il est d’abord connu pour sa collaboration avec le réalisateur Krzysztof Kieślowski, la série télévisée du Décalogue marquant la reconnaissance de leur travail en 1989 : dix films de 60 minutes mettant en scène la vie quotidienne d’un quartier modeste de Varsovie, illustrant chacun des commandements bibliques sans jamais tomber dans le moralisme, en laissant au spectateur sa liberté d’interprétation… Du premier et plus douloureux épisode (Un seul dieu tu adoreras) à la touche plus légère du dixième (Tu ne convoiteras pas les biens d’autrui) en passant par le saisissant Tu ne tueras point, ce dernier ayant aussi donné lieu à un long-métrage ; la musique de Preisner est indissociable de ces fictions filmées au rasoir, apportant chaleur et couleurs aux desseins tourmentés des personnages. La partition est dépouillée, romantique au piano ou à la guitare, le violon fait penser à Sibelius ; on y découvre aussi la soprano Elżbieta Towarnicka (Nymphea), en 25 morceaux servant avec justesse l’art du doute de Kieślowski.

Eric Serra – Subway

Né à Saint-Mandé en 1959, Eric Serra est un compositeur français généralement associé aux films de Luc Besson, depuis Le Dernier Combat à Lucy en passant par Nikita ou Subway dont il signe la bande originale en 1985. Multi-instrumentiste autodidacte, ses vignettes jazz-pop illustrent ce polar où Christophe Lambert tombe amoureux d’Isabelle Adjani (Dolphin Dance) tandis que Michel Galabru poursuit un Jean-Hugues Anglade en pickpocket à roulettes (Burglary)… La basse de Serra résonne dans ces couloirs filmés comme un clip vidéo, Man. Y et Congabass évoquant Stanley Clarke ou Bill Bruford. Le saxo de Song to Xavier rappelle Taxi Blues et Arthur Simms se fait un nom avec le tube de métro It’s Only MysteryDrumskate rappelant Jean Reno dans le rôle du batteur incoercible… Avec son scénario alambiqué et ses dialogues niaiseux, Subway n’a pas aussi bien vieilli que Diva tourné quatre ans plus tôt ; mais sa musique est cool et n’en reste pas moins emblématique des années 80.

Prince – Parade

Je découvre Prince en 1986, avec cet album qui est aussi la bande originale du film Under the Cherry Moon, tourné en France avec sa majesté dans le rôle d’un dandy… Christopher Tracy’s Parade ouvre en fanfare avant les synthés new wave d’I Wonder U et la voix suave de Wendy Melvoin ; puis le piano prend la main le temps d’un morceau co-écrit avec John L. Nelson, le père de Prince (Under the Cherry Moon). Tubesque et explicite avec sa giclée de saxo et son couplet en français, Girls & Boys précède une instrumentale douce (Venus de Milo) et les rythmes capiteux de Mountains, où la voix de Prince rappelle les Bee Gees… Le funk minimaliste de Kiss fait mouche, ses piaillements ajoutant du piquant avant un duo de guitare acoustique et piano concluant l’album sur une note mélancolique (Sometimes it Snows in April) ; Prince maitrisant une large palette d’émotions le long de ces 12 morceaux enchaînés avec brio, entre luxure et introspection. « Vous êtes très belle mama, girls and boys. »

Prince – Purple Rain

Deux ans après 1999, Prince joue son propre rôle dans le film Purple Rain, de son enfance tourmentée à l’ascension vers la gloire… Et si l’album du même nom en illustre les péripéties, au-delà de la bande originale chaque chanson laisse éclater un talent fou, excentrique et dont la synthèse le rapproche des meilleurs concept albums… Let’s go Crazy ouvre la danse dans un carpe diem funk et pêchu, suivi de Take me with U et ses arpèges de cordes, en chœur avec Apollonia Kotero qui tient également le second rôle dans le film… Lisa Coleman et Wendy Melvoin sont coquines dans une baignoire (Computer Blue), choristes essentielles déjà présentes sur 1999 ; enchaînées avec les jeux brûlants de Darling Nikki, où Prince termine la chanson à l’envers après avoir embrasé sa guitare… L’intro virtuose de When Doves Cry rappelle Jimi Hendrix, Baby I’m a Star file le rhythm’n blues avant de terminer sur le titre éponyme, Purple Rain et ses 8 minutes de slow sidérant, où Prince s’approprie la couleur pourpre dans un final indéfinissable entre blues, rock et musique classique… Sensuel et provocant, le « Kid de Minneapolis » transcende les genres et signe un des albums majeurs des années 80.

Mihály Víg – Filmzenék

Né à Budapest en 1957, Mihály Víg est un compositeur et acteur hongrois reconnu pour sa collaboration avec le cinéaste Béla Tarr, de deux ans son aîné et qui compte parmi mes réalisateurs favoris. D’Almanach d’automne au Cheval de Turin, les plans séquence de ses films défient le temps, où les dialogues sont infimes et laissent aux images en noir et blanc le soin d’installer une dramaturgie poignante, irréelle et qui culminera dans Le Tango de Satan, un film de 7 heures 30 sorti en 1994 et que j’aime revoir une fois par an, au mois de décembre… Parue en 2009, l’anthologie Filmzenék parcourt Almanach d’automne dont le piano désaccordé évoque MorriconeDamnation où des synthés asthéniques et un accordéon folklorique relatent l’essoufflement d’une fête ; Sátántangó dont la quête lancinante se perçoit derrière un clocher et une danse au mélodica ; Les Harmonies Werckmeister où piano et violon orchestrent la ronde des planètes pour Terriens imbibés… Une musique qui colle à la pellicule comme entre Preisner et Kieślowski, une sagesse dionysiaque qui me rappelle mon ami André, cinéphile entre tous et qui m’a fait découvrir Béla Tarr.

Pink Floyd – The Wall

Paru en 1979, The Wall est un double concept album illustrant l’enfance difficile de Pink qui va peu à peu se réfugier derrière un mur, brique après brique s’isoler du monde après un détour par la gloire en devenant chanteur… Le son est rock et les chansons ciselées, la suite Goodbye Blue Sky, Empty Spaces et Young Lust est particulièrement forte, où le héros tente de noyer ses désillusions dans une existence futile. « And nothing is very much fun anymore… » Rappelant aussi bien les excès du monde musical dans Phantom of the Paradise que l’aliénation de Number 6 dans The Prisoner ; l’œuvre se termine sur une lueur d’espoir lorsque le mur est finalement détruit (Outside the Wall), après un procès surréaliste (The Trial) et d’autres morceaux inoubliables (Hey You, Is there Anybody out there?, Comfortably Numb)… The Wall sera adapté au cinéma par Alan Parker en 1982, où la performance de Bob Geldof est indissociable de séquences animées devenues célèbres, de la marche des marteaux au hachoir humain ; opéra rock inclassable et sans rival jusqu’en 2009, où à mes oreilles il sera détrôné par Controlling Crowds.

Pink Floyd – Obscured by Clouds

Septième album de Pink Floyd, Obscured by Clouds a été enregistré en deux semaines tandis que le groupe travaillait déjà à The Dark Side of the Moon ; afin d’illustrer le film La Vallée de Barbet Schroeder, où sont explorées des contrées primitives en vue de rejoindre une vallée idéale… On ajoute volontiers le titre éponyme aux instrumentales écoutables en boucle, ainsi que Mudmen pour ses solos langoureux ; et non des moindres Absolutely Curtains qui termine magistralement le disque, en s’ouvrant sur un crescendo de claviers et batterie pour soudain devenir un chant tribal extrait du film, les synthés s’effaçant progressivement… Ces bijoux mis à part, on a droit à des chansons qu’Alan Parsons aurait pu chanter aussi bien (Burning Bridges, Stay) voire mieux (The Gold it’s in the…, Free Four) ; pour un ensemble mollasson et qui ne réitère pas la belle ambiance de la bande originale de More, réalisée trois ans plus tôt pour le même Barbet Schroeder.