Jocelyn Pook – Flood

Jocelyn Pook est une compositrice britannique née en 1960. Elle étudie le violon et le piano, sort diplômée de la Guildhall School et collabore avec Laurie Anderson ou Ryuchi Sakamoto. Paru en 1997, son premier album Deluge dépeint des paysages entre mythes et légendes, liturgiques avec Requiem Aeternam et Blow the Wind où elle chante aux côtés de Mélanie Pappenheim ; en français dans le texte avec Kelsey Michael sur La Blanche Traversée tandis que l’on vibre aux percussions de Goya’s Nightmare… Révélée par Stanley Kubrick qui entend sa musique au moment où il réalise Eyes Wide Shut, elle modifie plusieurs morceaux et refait paraître le tout sur un nouvel album deux ans plus tard, Flood intégrant trois titres que les cinéphiles n’ont pas oublié, de Masked Ball à Migrations en passant par Forever Without End… Incantatoire et mystérieux, voilà un disque entêtant entre Lerchenmusik et The Endless String.

Mike Oldfield – Ommadawn

Troisième album studio de Mike Oldfield, Ommadawn paraît en 1975. Avec ses flûtes irlandaises et ses chœurs éthérés, la première partie semble revenir sur les terres d’Hergest Ridge lorsqu’au milieu des guitares surgit un rythme tribal suivi d’une improvisation de la fidèle Clodagh Simonds ; parmi d’autres enchaînements raffinés jusqu’au climax… La forêt s’épaissit en seconde partie, où les cordes sont prises dans un essaim de claviers avant un grand coup de vent dans la prairie ; Paddy Moloney s’invite à la cornemuse et le pique-nique se prolonge, Leslie Penning sort sa flûte et Mike demande si quelqu’un sait où sont les verres à whisky… Celtique et ambient comme une version champêtre de Rubycon sorti la même année, Ommadawn est mon album préféré ; d’une courte tête devant le revanchard Amarok, collage culotté de 60 minutes écrit par Oldfield en 1990 pour protester contre le désinvestissement de Virgin à l’égard de sa musique.

Mike Oldfield – The Orchestral Tubular Bells

Enregistrée en 1974, la version symphonique des Tubular Bells a été dirigée par David Bedford et interprétée par le Royal Philharmonic Orchestra, Mike interprétant certains passages à la guitare. De la montée en puissance des cordes en première partie au lent déploiement des flûtes dans la seconde, avec un final étincelant et qui nous épargne la cocasse énonciation du « maître de cérémonie » de 1972, la richesse des instruments classiques se prête très bien aux variations de la musique de Mike Oldfield… C’est avec cet album que j’ai découvert son œuvre et je continue de le situer à proximité des Planètes, un univers à part entière est déployé et le petit jeu de la comparaison avec l’original disparaît bientôt ; aussi et malgré l’opportunisme éhonté d’un tel exercice discographique, j’admets que c’est vers cette seconde version que j’ai tendance à revenir…

Mike Oldfield – Tubular Bells

Mike Oldfield est un musicien britannique de rock progressif né à Reading en 1953. Sa sœur ainée est chanteuse et son frère flûtiste, il reçoit une guitare à l’âge de 7 ans et enregistre la première version des Tubular Bells dix ans plus tard, sur un magnéto bidouillé où il superpose les sons des instruments… Sa rencontre avec Richard Branson est déterminante, qui crée le label Virgin en 1972 et y fait figurer Oldfield parmi ses premiers artistes… Innovant pour l’époque, le disque est constitué de deux parties de 24 minutes chacune, essentiellement instrumentales comme un Boléro rock montant en puissance à chaque minute, imbriquant mélodies et chœurs allègres, clochettes… La Part 2 est plus fébrile avec ses voix gutturales, son chien hurlant et la reprise d’une danse traditionnelle ; aboutissant à un périple dépaysant et bien dosé où germe aussi la musique ambient à la façon de Harold Budd.

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Pour le Printemps de Bourges 2009, la cheffe d’orchestre Laurence Equilbey dite « Iko » convie des artistes de la scène electro le temps d’un spectacle restitué sur ce cd paru chez Naïve, qui ont carte blanche pour réviser leurs classiques. Ça démarre mollement avec Marc Collin et Emilie Simon, puis le DJ Para One revisite Mozart avec son Requiem Fragment, où le chant est électrisé façon Hot Butter ; mais le noyau dur est à venir avec les deux contributions de Murcof : Amor où le chant de Piana s’insinue entre des cordes grinçantes, flûté comme une Stina Nordenstam sous ventoline ; suivi de Death and Maiden où c’est Schubert qui a droit au grand jeu du mexicain, déployant des tourbillons de cordes où le temps se défait entre les tentures vermoulues… Avec une énième reprise de la Septième, Para One arrache un frisson avant d’exceller avec Passion et ses mouvements nerveux inspirés de Bach, de la gravité dans les chœurs et une voix off sibylline clôturant cette compilation inventive mais inégale, qui fait penser à Pierre Henry remixant sa Dixième onze ans plus tôt.

Murcof – The Versailles Sessions

Sept ans après Martes, Murcof compose The Versailles Sessions, destinées au festival des « Grandes Eaux Nocturnes » du château de Versailles. Entouré de musiciens baroques, il transfigure les instruments et assène une première ruade avec Welcome to Versailles, où à des tamis sourds succèdent flûte et percussions fébriles… Le clavecin électrifié de Louis XIV’s Demons fiche la frousse, les doigts du roi squelettique luttant avec une horde de violoncelles ressuscités, un morceau de la trempe de Street Horrsing où des silences entretiennent le chaos entre deux déluges… Puis des chœurs dignes de Górecki prennent la main (A Lesson for the Future), un piano agonisant jusqu’à s’étouffer avant les affres lugubres de Death of a Forest,  relevées par une mezzo soprano crépusculaire… Spring in the Artificial Gardens foule les terres d’Earth et Lully’s « Turquerie » referme le bal comme il avait commencé, entre une flûte aérienne et un clavier désarticulé… Formant un amalgame hardi entre classique et electro, ces six saillies sonores laissent une trace intense et d’une cohérence que Murcof ne rééditera plus ; préférant par exemple singer Ligeti ou Satie sur l’album Statea paru en 2016.

Murcof – Martes

Murcof est un compositeur mexicain né en 1970 à Tijuana. Son père accordéoniste l’initie à la musique et le berce avec Bach, il découvre Oxygène à l’âge de 12 ans, fait ses armes en initiant divers projets combinant classique et electro… Paru en 2001, son premier album Martes aligne drones et cordes pulsées (Memoria), virées où le temps se fige (Marmol, Mapa)Maiz dont les gouttelettes colorent un paysage décharné que prolonge Mo, ses sonorités rappelant Susumu Yokota… Mir chaloupe et la poussière de Muim se disperse à l’infini ; entre 76:14 et Pale Ravine, Murcof installe son univers immense et perméable au prix d’une certaine attention, comme toute œuvre qui se respecte… Un complice précieux les soirs de gamberge, dont j’associe les bienfaits à mon ami Romain qui me l’a fait découvrir.

Tangerine Dream – Stratosfear

Composé en 1976, Stratosfear se démarque de ses prédécesseurs dès l’ouverture éponyme, où se succèdent des mélodies qu’aurait pu écrire Vangelis… Conservant une certaine dramaturgie, The Big Sleep in Search of Hades est envahi par une suite de flûtes champêtres, tandis que Froese s’exerce à la guitare 12 cordes façon Oldfield sur Invisible Limits… Avec sa scansion millimétrée où se dilate un harmonica, 3 A.M. at the Border of the Marsh from Okefenokee sauve la mise, son crescendo à l’orgue rappelant Tales of Mystery and Imagination ; une échappée nébuleuse comme chez Badalamenti sur ce disque où l’on assiste au crépuscule du rêve de mandarine, le groupe oscillant ensuite entre saynètes new age et musiques de films, loin des mystères de l’insondable Phaedra.

Tangerine Dream – Rubycon

Un an après le légendaire Phaedra, Tangerine Dream franchit le Rubycon en deux mouvements sobres et envoûtants. Façonné le long d’arpèges aussi répétitifs qu’imprévisibles, Rubycon Part. 1 évolue au gré de courants aérés, intuitifs annonçant une Part. 2 plus sombre, où des voix maussades se renvoient la balle et l’on rebondit contre des murs mous, engagés sans gouvernail dans un couloir réverbéré… Assimilé à « l’école de Berlin » et plus doux qu’un Yeti, paru la même année qu’Another Green World dont certains titres partagent le climat, Rubycon fait le vide le temps d’un voyage épuré dans l’espace ; à moins que ce ne soit vers le centre d’une goutte de lait bleue, en suspension sur la pochette et photographiée par Monique Froese.

Tangerine Dream – Phaedra

Formé à Berlin en 1967 par le compositeur allemand Edgar Froese, Tangerine Dream est un groupe de musique électronique précurseur du genre ambient. D’abord rattaché au krautrock entre Can et Kraftwerk, ce groupe à géométrie variable fait un détour par le rock psychédélique avant d’adopter un son caractéristique constitué de mellotron et autres synthés Moog, sous la houlette de Christopher Franke et Peter Baumann… Paru en 1974, leur cinquième album Phaedra propose une flânerie en quatre morceaux dont le titre éponyme occupait la première face du vinyle et où l’on se perd dans des abysses de boucles cosmiques, une jungle laconique rappelant Beaver & Krause… Plongée sans filtre vers les sources qui vont inspirer Jarre et où les marées se figent non loin du Devil’s Triangle avant de faire silence, pour une atmosphère unique aux respirations multiples.